Música antigua traducida - Del 11 al 14 de Julio

Horario 11- 14 julio (17.00 - 18.30 h)
Entrada gratuita hasta completar aforo
Lugar: Antiguo Instituto Jovellanos, Gijón

Tras la aproximación teórica-práctica a la música antigua europea  realizada en la anterior edición del FMAG, en esta edición nos detendremos en aspectos menos generales pero a la vez interesantes y prácticos referentes a la presente edición del festival. Queremos sobre todo aportar herramientas de análisis y escucha básicas a la hora de recibir las diferentes manifestaciones musicales que nos llegan hoy en día respecto a la música compuesta entre la Edad Media y el Barroco. La música gregoriana como germen de la música occidental, la música trovadoresca como vía de expresión de las élites cultas, la revolución musical que supuso el trabajo de Bach o la importancia de Monteverdi, en el 450 aniversario de su nacimiento como ídolo de masas en la actualidad. El curso estará dividido en 4 sesiones que guardan relación con el programa de conciertos del Festival de Música Antigua de Gijón, de tal manera que los asistentes a las sesiones de Música Antigua Traducida puedan de seguido asistir a los conciertos con una base explicativa.


Música Antigua Traducida es un programa de acercamiento a la música compuesta durante la edad media, renacimiento y barroco, lo que conocemos comúnmente como música antigua. Este programa pretende dotar al oyente de herramientas de análisis que le permitan hacer una escucha consciente de las actuales manifestaciones musicales que cubren este repertorio en los escenarios de nuestro país.

El curso estará impartido por Jóvenes Musicólogos de la JAM Asturias con demostrada experiencia didáctica y musical.

Objetivos

El objetivo del curso es realizar un acercamiento a la música antigua occidental que sirva para divulgar este repertorio entre el público en general. Se pretende llevar a cabo esta aproximación a través del estudio de tres facetas diferentes: la época histórica, las formas musicales y las técnicas de escucha activa. De esta manera el alumno/a podrá hacerse una idea de las programaciones en diferentes modalidades de eventos musicales (temporadas regulares de auditorios y teatros, festivales, ciclos, etc,) y comprender mejor este tipo de música.

El público objetivo son personas adultas sin conocimientos musicales previos, que participan del festival de Música Antigua de Gijón y que buscan obtener unos criterios clave y unas nociones para poder realizar una escucha activa así como herramientas básicas de análisis.

Metodología

División del taller en 4 sesiones en varios tramos dinámicos que combinen la exposición oral, con audiciones, visionado de videos y el movimiento. Tras cada sesión los alumnos también podrán acceder a un listado de música escuchada en la clase que será subida a una carpeta compartida en la nube.

Sesión I | El Gregoriano a través de los siglos

El canto llano, o canto gregoriano, llamado así porque fuera el papa Gregorio el Magno en el siglo VI quien unificara los cantos cristianos, es uno de los grandes tesoros de la civilización occidental. Fue la génesis y la inspiración de una gran cantidad de música hasta el siglo XVI y el germen de la música occidental tal y como la conocemos. Constituye uno de los repertorios de canciones más antiguos todavía en uso y es una verdadera joya inmaterial. En esta sesión analizaremos sus orígenes, cómo se crea, cómo se transmite entre generaciones y congregaciones y cuál es su vitalidad actual.

Sesión II | Trovadores y Juglares

En el ámbito profano, que es el antagonista del religioso, o la música no oficial, se desarrollaba la música trovadoresca. Los trovadores tienen su mayor florecimiento en los siglos XII y XIII y son los herederos de la música profana de los antiguos romanos, actores, comedia, etc. El trovador en realidad es un poeta que enfatiza su mensaje con la música. Alfonso X el Sabio los definía como aquellos que saben componer palabras y música Así por ejemplo podemos encontrarnos diferentes tipos de canciones, según su temática o su forma como por ejemplo las Cantigas, Romances, Pastorelas, Sirventese, Chansó, etc.

Sesión III | Monteverdi

Claudio Monteverdi es considerado como el paso natural del Renacimiento al Barroco.
A lo largo de su larga y fructífera vida, 'Il divino Claudio' ha sido puesto como el ejemplo perfecto en la evolución del madrigal, que llevó a su máximo apogeo a lo largo de sus ocho libros, así como en sus trabajos operísticos, considerados como el primer ejemplo, con L'Orfeo, y magníficas muestras en la ópera veneziana. Sus colecciones de música sacra, sobre todo las Vísperas y la Selva morale e spirituale suponen muestras superlativas de su magisterio de capilla en San Marco. Una figura única, inigualable y trascendente como pocas, de la que en este 2017 se conmemoran los 450 años de su nacimiento. Imprescindible conocer su ob
ra si eres amante de la música antigua.

Sesión IV | Revolución Bachiana

La culminación del Barroco se asume siempre en la figura de Johann Sebastian Bach. Personalidad genial como casi ningún otro caso en la historia, apenas hay géneros que se escaparan a su arte compositivo. Desarrolló su labor en su Alemania natal, desarrollando labores de compositor y maestro en algunos de los centros políticos y culturales más poderosos del momento. La cantata luterana, la pasión, la música orquestal, el órgano y el clave son algunos de los pinos claves en su carrera, la cual no encuentra parangón en la Europa del momento. Genios de genios y maestro de maestros, Bach cierra uno de los periodos musicales más fascinantes de la historia.


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Curso de Acercamiento a la Música Antigua - del 11 al 15 de Julio

Acercamiento a la Música Antigua

Tras el éxito de «Música traducida», nuestro programa de acercamiento a la música clásica, que está triunfando entre el público de Gijón, llega esta nueva versión de acercamiento a la música antigua, que celebraremos al abrigo del Festival de Música Antigua Gijón, a quienes agradecemos, junto al Taller de Músicos de Gijón-Xixón y Fundación de Cultura Gijón / Xixón, la confianza depositada para llevar a cabo este proyecto.

El objetivo del curso es realizar un acercamiento a la música antigua occidental que sirva para divulgar este repertorio entre el público en general. Se pretende llevar a cabo esta aproximación a través del estudio de tres facetas diferentes: la época histórica, las formas musicales y las técnicas de escucha activa. De esta manera el alumnado podrá hacerse una idea de las programaciones en diferentes modalidades de eventos musicales (temporadas regulares de auditorios y teatros, festivales, ciclos, etc.) y comprender mejor este tipo de música.

Una propuesta dirigida a todos los públicos, sin que sean necesarios conocimientos musicales previos, que buscan un acercamiento a la música antigua, unas nociones para poder realizar una escucha activa así como herramientas básicas de análisis.

Del 11 al 15 de Julio, de 17:00h  a 18:30h

El curso estará dividido en cinco sesiones que guardan relación cronológica con el programa de conciertos del Festival de Música Antigua de Gijón, de tal manera que los asistentes a las sesiones de Música Antigua Traducida puedan de seguido asistir a un concierto representativo.

Sesión I | Barroco alemán

El desarrollo del Barroco en Alemania se produce desde inicios del siglo XVII, indisolublemente unido al Luteranismo, el Calvinismo y otras corrientes religiosas del momento, que llevan a crear géneros y un lenguaje propio. La música instrumental será de gran importancia, especialmente el órgano, pero también el clave, además de la música de cámara y los géneros vocales en alemán, que irán desarrollándose durante este siglo y medio de manera realmente floreciente. Desde Heinrich Schütz hasta Johann Sebastian Bach, el Barroco en Alemania presenta una mezcla de elementos italianos y franceses, pero tamizados con su manera de comprender la vida y el arte.

Sesión II | Barroco inglés

Este siglo y medio se desarrolla en Inglaterra con algunos hitos muy concretos. Destaca especialmente la figura de Henry Purcell, el mejor compositor británico del Barroco, al menos si no contamos al alemán Georg Fredrich Händel, quien pasó gran parte de su vida en las islas, triunfando con sus óperas italianas y creando géneros específicos como el oratorio inglés. La creación de géneros propios como la masque, el anthem, las odes y welcome songs, además de otros instrumentales como el ground, la division o el voluntary, perfilan el panorama musical británico, configurando así un período más rico de lo que se suele creer.

Sesión III| Barroco español

A lo largo del siglo XVII y hasta mediados del XVIII, en nuestro país, se preservó la polifonía renacentista combinada con la paulatina aceptación de las nuevas técnicas europeas. Junto a ello, hablaremos de los géneros que triunfaron en España durante este período, caracterizados por la primacía de las formas propias, diferentes a las europeas. Veremos como la música religiosa sigue teniendo una gran importancia, con un especial interés por la música para órgano y para guitarra; aunque con el avance del siglo XVIII la música escénica ganará adeptos e interés. La tradición de la ópera italiana se impone en España, pero a la vez impulsa un género escénico genuinamente español, que gozará de la aceptación y popularidad del público – la zarzuela.

Sesión IV | Barroco francés

La música del Barroco francés queda supeditada al servicio del estado y del rey siendo Luis XIV, quien convirtiera su corte en una de las más destacadas e influyentes de Europa. Gracias a este monarca se consolida la música barroca francesa de la mano de Jean-Baptiste Lully, precursor de la ópera francesa y músico oficial del rey, quien junto a François Couperin, Louis Marchand conducirán la ópera barroca francesa a un lugar de privilegio. A su vez se mantiene la importancia de la música religiosa, que recibió el influjo del estilo concertante, destacando las obras de Marc Antoine Charpentier y dentro de la música instrumental se perpetúa la tradición anterior, con importancia de la viola da gamba y una potenciación de los instrumentos de viento

Sesión V | Historicismo y música antigua

El interés por la praxis interpretativa centrada en el repertorio histórico surgió y fue posible gracias a los estudios musicológicos y a la recuperación del patrimonio musical. La interpretación de música de otros tiempos ha sido una característica de la cultura occidental en varias épocas y lugares y en esta línea podemos seguir el rastro de este fenómeno interpretativo en varios momentos históricos.
Analizaremos el origen y desarrollo del movimiento historicista y de la conciencia interpretativa que persigue la “autenticidad” estilística así como su estado actual de tal manera que podamos diferenciar la música que nos llega en nuestros días.


Cómo participar:
Duración: 7 horas y media
Precio: 
Gratuita
Inscripción: es obligatoria y se puede realizar en las Oficinas de Atención al Ciudadano; en los Cajeros ciudadanos o a través deactividades.gijon.es, inscripción que se podrá realizar con la tarjeta ciudadana o con DNI en el caso de no disponer de ella.

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EL TALLER DE MÚSICOS DE GIJÓN: 25 AÑOS DE FORMACIÓN, PRODUCCIÓN Y DIFUSIÓN MUSICAL, Eduardo García Salueña

EL TALLER DE MÚSICOS DE GIJÓN: 25 AÑOS DE FORMACIÓN, PRODUCCIÓN Y DIFUSIÓN MUSICAL
Por Eduardo García Salueña
Viernes 6 de Mayo, 19:30 H


Dentro de los distintos servicios culturales relacionados con la enseñanza y la práctica de la música, el Taller de Músicos ha buscado dar respuesta a necesidades muy variadas, tratando de crear un público activo a través de distintos programas y actividades: ciclos de conciertos, seminarios y talleres especializados, ayudas a la creación musical y acercamientos teórico-prácticos a distintos repertorios han sido algunas de sus líneas de trabajo desde 1991. Con el paso del tiempo, el Taller de Músicos ha continuado reinventándose en función de las nuevas demandas, tendencias e industrias culturales.


Eduardo García Salueña, su actual responsable junto al veterano René de Coupaud, en su doble perfil de músico y musicólogo, nos propone un recorrido a través de la trayectoria del Taller de Músicos, invitándonos a reflexionar sobre la evolución de los distintos modelos de gestión y la enseñanza musical en la ciudad.


Eduardo García Salueña (Gijón, 1982) es Doctor en Historia y Ciencias de la Música (Universidad de Oviedo), con una tesis dedicada al análisis del rock progresivo español durante los años de la Transición, además de obtener el título de grado medio de piano en el Conservatorio Profesional de Música de Gijón. Ha realizado una estancia de investigación en la Universidad de Surrey (Reino Unido), formando parte del programa FPU del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Ha trabajado y colaborado activamente con instituciones culturales como el Archivo de Música Tradicional del Muséu del Pueblu d’Asturies, Ateneo Jovellanos de Gijón, LABoral - Centro de Arte y Creación Industrial, Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, Asociación Cultural Félix de Martino o la Asociación Cultural “Contigo” de Noreña.

Ha participado con comunicaciones en seminarios y congresos especializados con la Sociedad Española de Musicología (Cáceres, 2008), Seminario de Estética y Semiótica “Círculo Hermenéutico” (Oviedo, 2009), Sociedad de Etnomusicología SIBE (Lisboa, 2010), International Association for the Study of Popular Music (Gijón, 2013) o Acadprog (Dijon, 2014), además de formar parte del comité científico-organizador de las IV Jornadas de Estudiantes de Musicología y Jóvenes Musicólogos (Universidad de Oviedo, 2011) y de ser uno de los miembros fundadores de la Joven Asociación de Musicología de Asturias. Ha escrito artículos para Revista de Musicología (SEdeM) o Cuadernos de Música Iberoamericana (ICCMU), además de participar en libros colectivos como Rock around Spain. Historia, industria, escenas y medios de comunicación (Universidades de Lleida y Alicante, 2013) o Prog rock in Europe: overview of a persistent musical style (Editions Universitaires de Dijon, 2016), y colaborar con publicaciones como Ábaco – Revista de Cultura y Ciencias Sociales (CICEES), Cadernos Progressivos (DLCG), Anuariu de la Música Asturiana (L’Aguañaz/SGAE) o como crítico musical para el diario de prensa escrita La Nueva España desde 2007.

Premio AMAS 2013 al mejor teclista asturiano, ha desarrollado una activa trayectoria como músico de estudio y directo con diversos artistas como Senogul, Edwin Moses, Dark la eMe, Anabel Santiago, Wily Naves, Fran Gayo, Héctor Braga, Vendaval, John Falcone, Skanda, The Samurai of Prog, Banda de Gaites Noega, Gigia Sax Band, Tricantropus o ALMS, con los que ha publicado más de 25 trabajos discográficos y con quienes ha realizado giras nacionales e internacionales por Francia, Portugal, UK, Japón o Corea del Sur. Destaca su labor en algunos montajes como el espectáculo interactivo Sweet Paradise de la Cia de Paul & Menno De Nooijer (compositor, intérprete e improvisador), Orfeo: a ba-rock opera, para el XII Festival de Música Antigua de Gijón (intérprete), Vigil en el botánico – música con raíces (arreglista e intérprete), Homenaje a Mychael Danna, para la Gala de Clausura del XLV Festival Internacional de Cine de Gijón (arreglista e intérprete), el Poema sinfónico para banda de gaitas, quinteto instrumental y recitador como cierre del IX Concurso de Gaitas “Noega” de Gijón (compositor, arreglista e intérprete) o la composición e interpretación de la “Obertura Columna de Hércules” en el Teatro Jovellanos junto a una orquesta para la inauguración del II Festival Arcu Atlánticu.
Actualmente trabaja en la Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular del Ayuntamiento de Gijón, como Responsable del Taller de Músicos.

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LOS DOCTORADOS PERFORMATIVOS AMERICANOS: VISIÓN GENERAL Y COMPARATIVA CON EL MODELO EUROPEO, David Cruz

LOS DOCTORADOS PERFORMATIVOS AMERICANOS: VISIÓN GENERAL Y COMPARATIVA CON EL MODELO EUROPEO
Por David Cruz
Viernes 29 de Abril, 19:30H

Los Doctorados en Música ofrecidos por las Universidades Americanas, mas conocidos por el título Doctor of Musical Arts (DMA), son grados Académicos de estudios avanzados y especializados, que pueden incluir varias sub especialidades como composición, dirección de orquesta o performance. Su objetivo es la formación avanzada para profesores de música de nivel Universitario en áreas como la docencia práctica, la docencia teoría, o la investigación. 
El objetivo de esta conferencia es difundir el proceso y los contenidos de estos Doctorados, poniendo en relieve sus diferencias  frente a los impartidos en España, poniendo énfasis en su desarrollo y la importancia de la conexión interdepartamental para el proceso educativo de perfeccionamiento musical.

David Cruz es Licenciado en violonchelo por la Academia Nacional Superior de Orchestra con el profesor Paulo Gaio Lima en 2002. Miembro de la Joven Orquesta  de la Unión Europea entre 2001 y 2003, con conciertos bajo la dirección  de maestros como Sir Colin Davis y Vladimir Ashkenazy. Continuó sus estudios musicales en los Estados Unidos, en la Universidad de Indiana con Tsuyoshi Tsutsumi y Janos Starker. Imparte clases en la String Academy de la misma universidad como asistente de la violonchelista Susan Moses. De 2005 a 2009 imparte clases como profesor de la  Escola Profissional de Música de Mirandela, el Instituto Piaget de Mirandela, y la Universidade do Minho. Junto a ello, actúa como primer violonchelo en agrupaciones como la Orquestra de Câmara do Minho y la Camerata Musical da Guarda. Da conciertos regulares como solista y en agrupaciones de cámara en Europa y Estados Unidos. Fue dedicatorio de varias obras, entre ellas “Passo Cruzado” (suite para violonchelo solo), del compositor polaco Igor Iwanek, estrenada en el “Boston Portuguese Festival” en 2012, así como  “Circumloquios Enrevesados” del  compositor mexicano Alejandro Castillo, estrenada en Agosto de 2009 en Bloomington. 

Termina el Doctorado en Música en la Universidad de Boston en junio de 2014, bajo la dirección de los violonchelistas Michael Reynolds y George Neikrug, presentando una tesis doctoral  sobre las obras para violonchelo del compositor portugués Fernando Lopes Graça., además de lo que ejerce de asistente del profesor Michael Reynolds en la misma universidad. Recientemente premiado por esta Universidade como miembro de Honor Society Phi Kappa Lambda. Durante estos años también ejerce de profesor de violonchelo en la  Rhode Island Philharmonic School of Music y es miembro de  Artes Piano Trio.

Actualmente imparte clases en la Escola Profissional de Música de Viana do Castelo, es Profesor Coordinador de Cuerdas de la Academia de Música de S. João da Madeira, y director musical del proyecto "Violoncelos de Sta. Cristina". También ocupa el puesto de primer violonchelo  de la Orquestra de Câmara Con Spirito y  como violonchelista invitado  de la Atlantic Coast Orchestra. 


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DE LO CULTO A LO POPULAR: ENCUENTROS Y FRICCIONES, SARA MUÑIZ

DE LO CULTO A LO POPULAR: ENCUENTROS Y FRICCIONES
Por Sara Muñiz Pérez
Viernes 22 de Abril, 19:30H
Ca´Beleño, Oviedo

Abstract

La dicotomía música clásica y música popular urbana aún hoy en día sigue vigente. Navegar como música profesional en estos dos ámbitos resulta muy enriquecedor pero a veces da lugar a una serie de problemáticas que resulta interesante abordar. Por otro lado, uno de los aspectos más característicos de la música popular urbana es que el músico deja de ser sólo intérprete para convertirse a su vez en agente creador y compositor. A su vez, el poder ideológico y simbólico de la música popular en la actualidad es más fuerte que el de la música clásica debido a su impronta en todos los estratos sociales, dando pie a crear diversos registros discursivos y una capacidad para transformar la realidad. Del mismo modo, ser mujer y posicionarse como música dentro del ámbito del rock o de la música independiente da lugar a fricciones y conflictos que es necesario hacer visibles para establecer posibles propuestas que ayuden a integrar a las mujeres dentro de este colectivo en el que, históricamente, han predominado los hombres.
 
Sara Muñiz Pérez nació en Gijón en 1984. Cursó en el conservatorio de Gijón los estudios de viola para posteriormente comenzar de manera independiente a estudiar piano y composición. Paralelamente estudió magisterio musical e historia y ciencias de la música. Una vez finalizado, realizó un Máster en Música e Instituciones en la España contemporánea y otro especializado en estudios de género. Actualmente se encuentra realizando un doctorado sobre el desarrollo de la industria musical asiática y la articulación de identidades nacionales, de género y de clase en torno a la misma.

Pese a que su formación inicial proviene de la música clásica tiene una larga trayectoria como violista, arreglista y en algunos casos teclista dentro del ámbito de la música popular urbana. Desde la adolescencia ha tocado y colaborado con diversos grupos de música, algunos de los cuales son reconocidos a nivel nacional como Manta Ray, Xera, Nacho Vegas, La MalaYerba, los Fleshtones o Pablo und Destruktion. A su vez, ha trabajado en varios proyectos artísticos e impartido cursos y talleres relacionados con la música y el arte; colaborando con instituciones como el Museo de Bellas Artes de Asturias o Laboral Centro de Arte y Creación Industrial. Durante los últimos cuatro años ha residido en China como profesora de español y arte contemporáneo en la Universidad de Shandong y, a su vez, ha estudiado lengua y cultura china. Uno de sus últimos proyectos artísticos ha sido, junto con Pablo und Destruktion y la Tribu del Trueno, encargarse de la composición e interpretación de la banda sonora de la película “Las Manos de Orlac”. 

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